Hariban Award ’17 Grand Prize Winner Interview with Stephen Gill

With this year’s Hariban Award bringing in the most applications since its launch in 2014, we are delighted to welcome Stephen Gill as the recipient of the fourth Hariban Award Grand Prize. Ahead of his residency, we speak to Stephen Gill about his winning body of work Night Procession and what he’s most looking forward to as this year’s Hariban Award Grand Prize Winner.

Could you tell us a little bit about yourself and what first drew you to photography

Perhaps before I answer your questions I would like to say how happy I am to be offered this opportunity and how astonished I was when I opened the email, so thank you again.

I grew up in Bristol in the west of England. From an early age I had an interest in music and art and during my early teens, and thanks to my dad, I began an interest in photography, film processing, and printing and we made a darkroom at home in the attic when I was 13 years old. This appeal seemed to align with my curiosities, obsessions, and interests at the time with nature, particularly using microscopes to view pond life, photographing birds in my garden and friends.

In retrospect perhaps as a teenager, photography was also a savior in a way, given that my grasp of more academic subjects was very difficult for me and making images was like breathing, enabling me to respond to what was happening around me. With photography I was free to explore, try and make sense of, interpret, articulate and describe.

Your winning body of work Night Procession was made after your move from London to Sweden.  Could you describe to us the process in which you took these images and whether the move changed the way you make your work

In March 2014, my family and I moved from east London to rural south Sweden where my partner Lena is from. I understood that these new surroundings would inform my work in very different ways and that nature would play a key role. I was looking forward to making work that did not feel restricted and suffocated by modern photographic technology nor would make an inaccurate projected impression of the natural landscape we had become part of.

On my many walks, I soon came to realize that this new, apparently bleak, flat and open landscape was, in fact, teeming with intense life. Small clues appeared during daylight hours that helped me understand the extent of activity during the night. Clusters of feathers, animal footprints of all sizes showing regular overlapping routes, gnawed branches, eggshells, ant hills, nibbled mushrooms and busy snails and slugs working through the feast provided from the previous night

I started to imagine the creatures in absolute darkness on the forest floor driven by instincts and their will to survive. I imagined them encountering each other. I thought of their eyes – near redundant in the thick of the night – and their sense of smell and hearing finely tuned and heightened.

Envisaging where this activity might unfold, coupled with a hopeful foresight, I placed cameras equipped with motion sensors, to trees, mostly at a low level, so that any movement triggered the camera shutter and an infra-red flash (which was outside the animals’ visual spectrum).

The first results filled me with fascination and joy as they presented what felt like stepping off into another parallel and unearthly world.  The silent photographs also seemed to invent sounds. This frame of mind and way of working took me back to my first ever photo project at the age of 13, sitting in the bathroom window of my parents’ house in Bristol with a 10-metre cable release, attached to the camera, attempting to photograph garden birds.

As time went on I started to think, if I were a deer where would I drink from, or if an owl where would I prefer to perch, and positioned cameras in such places. I was already composing the rectangular view in my mind’s eye – even though the nocturnal animals were absent – imagining they were there.  Nature itself helped to decide the palette and the feel of the images as plant pigments were incorporated from the surrounding areas to make the final master prints.

I had grappled for many years with this idea of stepping back as the author of images to give space for chance and to encourage the subject to step forward. I had attempted this in various ways; for example, in 2005, by burying colour prints close to where they were made, as a collaboration, to entice the place itself to leave its physical mark on the images once they had been unearthed. Or, between 2009 – 2013, in the series Talking to Ants, I placed objects such as plant life, insects, seeds and dust from the place I was photographing inside the film chamber to create in-camera photograms creating a confusion of scale. Or, in 2012, in Best Before End, as a photographic response to the rise of high-energy drinks, I used the drinks themselves to part-process the film as they ate into the emulsion. These approaches added an element of uncertainty, without knowing exactly where the images would land, and relied on a point where intentions met chance with the hope that the subject itself could play a part, lead the way or become embedded in the finished images.

This time, though, it felt as if I was stepping out altogether so that the subjects would orchestrate and perform and take on the role of the author while at that moment I was likely to be sleeping. This was nature’s time to speak and let itself be felt and known.

As you will be traveling to Kyoto to collaborate with the artisans in making your prints, do you think the experience and time spent at the atelier will change or influence it in any way? 

I imagine this experience will somehow leave many everlasting impressions and I am excited to experiment and step into this print making practice which is very much in line with my current frame of mind.

Is there an aspect of the award which you are most looking forward to? 

It will be an honor to meet, learn from and work with the master printers at the legendary Benrido Atelier and grasp a greater knowledge of the Collotype printmaking process. I very much look forward to being in Japan and being in the atelier daily during the two weeks residency. The first tests I am sure will be gripping as the images I have been making in South Sweden start to leap into this traditional print making process. I am eager to see how the printing process collides with the approach, attitude, and frame of mind I had whilst making the Night Procession series and see how the spirit of the images translates into and then out of the finished sheets utilizing a process, the inks and papers that are new to me.

I am certain new feelings and new frequencies will allow the images to sit and breath in a new way.

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What’s next?

In the coming weeks, Stephen Gill will be arriving in Kyoto to begin his residency here at Benrido. Be sure to stay tuned for updates on our blog and make sure to follow us on  Instagram, Facebook, and Twitter.

スティーブン・ギルさん(ハリバンアワード2017受賞者) レジデンシープログラム前のインタビュー 



この度は貴重な機会を与えていただき、とても嬉しく思います。お知らせのEメールを受け 取った時は本当にびっくりしました。改めて、お礼を申し上げたいと思います。

私はイギリス西部のブリストルで生まれ育ちました。小さい頃から音楽やアートに興味を 持ち、思春期の頃には父の影響で、写真やフィルム現像やプリントが好きになり屋根裏に 暗室を一緒に造ったりもしました。写真の趣味は、私が自然に対して好奇心を持ち夢中に なったことに繋がっていたようで、特に池の生物を顕微鏡で観察したり、庭の鳥や友人た ちを撮影したりすることが好きだったという記憶があります。

振り返ってみれば、少年だった私を写真が救ってくれたのかもしれません。他の学校の科 目は難しく不得意だったのですが、写真でイメージを作ることに関してはまるで呼吸をす るといった感じで、そのことは自分の周りで起こっていたことに対しての私なりの反応で あり表現だったのかもしれません。写真さえあれば私は自由に探検ができたし、物事を理 解し解釈し、そして説明したり表現したりすることさえできたのです。

—あなたの受賞作「Night Procession」は、ロンドンからスウエーデンに移住した あとに制作されたわけですが、このシリーズを撮影した経緯と過程を教えていただ けますか?また、移住したことによって、あなたの作品の作り方も変わりましたか? 

2014 年 3 月、私と家族はイースト・ロンドンから、パートナーであるレナが生まれ育った 南スウェーデンに引っ越しました。この新しい環境が、今後の自分の仕事にこれまでとは かなり異なる影響を与え、しかも自然が重要な役割を果たすことになるだろうということ を理解しました。私は現代の写真の技術に制限されたりとか、息詰まりを感じさせられた りしない作品を制作できることを楽しみにしながらも、自分もその一部である自然の景観 について正しくない印象を与えないものを作りたかったのです。

私はよく散歩に出かけたのですが、すぐにこの新しく荒涼としたフラットでオープンな景 観が、実は様々な生き物に溢れていたことに気づいたのです。加えて、昼の間に少しばか りの手がかりを見つけたことで、夜間の活動状況をより理解することもできました。例え ば、一箇所に集まった羽毛、重なり合った道に残された様々なサイズの動物の足跡、噛み 切られた枝、卵の殻、アリの巣、少しずつかじられたキノコ、動き回るカタツムリ、前夜 の餌食になった肉に張り付くナメクジなどです。

サバイバルしなければならないという本能的な意思によって、森の漆黒の暗闇の中で動き 回る動物たちのことを私は想像し、彼らがお互いに遭遇する様子はどんなだったのかとか

も考えたりしました。夜が更け彼らの視覚が必要でなくなるや、今度は嗅覚と聴覚を調整 させ、より研ぎ澄まれるのだろうと考えたりもしました。

そんな彼らの行動がどういった場所で展開されるかを自分なりに想定し、モーションセン サーを搭載したカメラを木々の低い場所に設置し、もしなんらかの動きがあればカメラの シャッターと赤外線フラッシュ(動物の見ることができない可視スペクトル)が同時に作 動するようにしたのです。

そして、その最初の結果に私は魅了され歓喜しました。なぜなら、現世界とパラレルに起 こっている別世界に踏み入れたような感覚を覚えたからです。しかも、それらの静寂の写 真はまるで音を創り出しているようにも思えました。そのことは、ブリストルの両親の家 の浴室の窓に座り、カメラに取り付けた 10 メートルほどのコードを使って庭の鳥を撮影し ていた 13 歳の頃の自分が、初めての写真に取り組んでいたことを思い出させてくれたので す。

もし鹿であったら水をどこで飲むだろうかとか、フクロウであればどのあたりの木に停ま るだろうかとかを、時間が経つにつれて考え、そういった場所にカメラを設置したりもし ました。すでにそこに夜行性の動物がいなかったとしても、彼らがそこにいるものと想定 して心の目を使って長方形の写真の風景を作りあげるようになっていきました。最終的な プリントを作るときには、撮影した森から採取した植物の顔料を使用することで写真の色 とイメージそのものを決定するのに役立てました。

私はこれまでアーティストとして主張を控えめにして、被写体そのものに作品を作らせ、 偶然性を作品に取り込むというふうに、長年、様々な方法を試みてきました。例えば、2005 年にカラープリントを撮った場所の近くにその写真を埋め、しばらくしてそれを掘り起こ すことで、そこに埋もれた場所の痕跡を自然とのコラボレーションとして写真に残すとい う試みをしました。2009 年から 2013 年に行った「Talking to Ants(蟻たちとの対話)」 というシリーズでは、カメラの内部に撮影していた場所から採取した植物や昆虫や種子や 埃などを入れて、それらと一緒に風景写真を撮ることで、植物や昆虫のサイズを混同させ るように見せました。また、2012 年の「Best Before End(最後の前の最高)」シリーズ では、高エネルギー飲料の人気に対する写真的な取り組みとして、その飲み物を混ぜフィ ルムを現像したりしました。こういったアプローチは、どういった画像が現れるかまった く予期できないばかりか、不確実の要素が加えられ、被写体の役割を果たしたり、導いて くれたり、そのまま画像の一部として組み込まれることもありました。

今回のシリーズ「Night Procession(夜の行進)」は、あえてその現場から身を離れ、そ の撮られた時間は私は眠っていたのですが、その間にも森の被写体たちはオーケストラの ための作曲をしたり演奏したりする演者のような役割を担っていたというわけです。すな わち、今回のシリーズは自然そのものが自ら語ってくれることを我々の方が認知し感じと る必要があるということです。

—これから京都に来られて、便利堂の職人たちと一緒にプリントを作り上げるわけで すが、京都で過ごされる時間や経験は何らかの形で作品へ影響を与えると考えられ ますか? 

これからの経験は、私の中で忘れられない印象が残ることになるでしょう。しかも、この コロタイプという技法は今の私の考え方とも一致していると感じていて、この技法でいろ いろ実験をしながら、より深く理解できるようになることを楽しみにしています。


噂には聞いていた便利堂の工房で、マスターのプリンターたちとお会いし勉強させていた だき、一緒に作品を作りながらコロタイプについて深く学べることはとても名誉なことで す。二週間の研修の間、毎日工房に通えることを今からとても楽しみにしています。


最初の数回のテストプリントの時点で、南スウェーデンで制作したイメージと便利堂の伝 統的な技法との出会いが面白い結果が出るだろうと確信しています。今回の「Night Procession」を撮った時の私の撮り方や考え方や心構えを投影することでどういった火花 が出るか、さらには、イメージの核心がどんな風にこれまでやったことのない工程やイン クや紙によって表現され、それが見る側に伝わるのかを楽しみにしています。新しい感覚 や発想を得ることによって、イメージはきっと最後には異なるものとなり、よりいっそう 生き生きとしてくるはずです。





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